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1990年代以来、国際的なアート界で高い評価を受けてきた日本人アーティスト・森万里子の作品は、今ほど切実に、時代と響き合っていると感じられる時はないかもしれない。なぜだろうか。刺激に満ち溢れた時代において、私たちの歩みを緩め、先入観を手放し、自分自身・他者・世界とより静かな関係を結ぶよう促す。彼女のアートは、彼女が単純に「Radiance（輝き）」と呼ぶもの——すなわちあらゆるものの根底にある光と相互連結性——へと私たちを引き戻す。
過去15か月の間、私はアルル、ヴェネツィア、大阪、そして再びニューヨークで彼女の作品に出会った。10月30日にショーン・ケリー・ギャラリー（Sean Kelly Gallery）で開幕した彼女の3度目の個展「Radiance」においてである。これらの出会い——そして最近Zoomで行った彼女との対話——は、数年前に初めて感じたある感覚を確かなものにした。彼女のアートは単に時代に呼応するものにとどまらず、癒しの媒体でもあるということだ。
ショーン・ケリーで出会う「Radiance」
ギャラリーに入ると、まず目を奪われるのは二つの彫刻だ。縦長で丸みを帯びたフォルムが、反射とパステルカラーで輝いている。紫やピンクに、青、緑、黄色、オレンジが混ざり合う。鑑賞者はその周りをゆっくりと歩きながら、刻々と変化する色彩に魅了される。
それらは内部に広大な世界を抱えているようにも見え、あるいはどこかへ通じるポータルのようにも感じられる。私はそれがケルン（石塚）や記念碑なのか、あるいは高度で善意ある知性の存在を象徴しているのかと思った。作品名を見ると「Love II（2025）」。確かに、この作品は友好的で、好奇心に満ち、静かな歓迎の気配を放っている。
ギャラリーの解説によれば、これらの作品は日本の神聖な岩「磐座（いわくら）」を再解釈したものだとのこと。磐座は数千年にわたり神の宿る場所とされてきた。「二色性コーティングの表面は、周囲の光や鑑賞者の動きによって変化し、石が本来持っていた”聖なる世界への門”としての役割を、見えないエネルギーとして再想像させる」という。
森は、日本最古の創世神話書・古事記にも着想を得ている。そこでは初期の神々は純粋な力として存在し、その後イザナギとイザナミのような対となって現れる。観客が神話を知らなくても、二つの形のあいだに漂うやさしい親密さは感じ取れる。作品の主題は神話の人物そのものではなく、創造・相互連関・万物を結びつける遊び心あるエネルギーである。
Shrine（2025）
次の部屋では《Shrine》が訪問者を迎える。中に入る前に靴を脱ぐよう求められる。これは日本の神社に入るときの習慣と同じだ。
室内には白い台座の上に二つのアクリルの石が置かれている。一つは細長く直立し、もう一つは低く多面体状で、床に刻まれた光る円を挟んで向かい合う。
内部に入ると、見えない風が静かに吹いていることに気づく。床の円は内部から照らされ、彫刻と同じくらい強く鑑賞者を引き寄せる。そこに立つと、受容的なエネルギーと能動的なエネルギーが交差するようなバランスを感じた。
すべて白で統一されたこのインスタレーションは、純粋さ、息吹、静寂を喚起する。神道の聖域に足を踏み入れる体験を呼び起こしながら、その素材と形は紛れもなく未来に属している。この古代性と未来性の共存こそ、森の作品の特徴のひとつだ。彼女は古の真理を表現するために新しい形を構築する。
UnityとGenesis
ギャラリーの壁には、3DコンピューターグラフィックスとUV硬化顔料によって制作された円形の写真絵画、《Unity》シリーズと《Genesis》シリーズが、天体のようにやわらかく輝いている。淡い色調の「星の爆発」は、神聖幾何学、創造のサイクル、光の無限の戯れを反映している。『古事記』の神・天之御中主神（「見えない光」として彼女がシリーズのインスピレーションとして挙げている）を知らなくとも、これらの絵画は同じ無限で穏やかな存在感を喚起する。
宇宙と宇宙的な愛に同調しながら創作する万里子自身の姿が目に浮かぶ。彼女のビジョンをこれほど純粋に体現する、一見シンプルなイメージに到達するまで、辛抱強く実験を繰り返す姿が。彼女はその創作を導いた体験のひとつをこう語った——「深く無限な愛の顕現——すべての命が生まれ出る根源的な源泉……その神聖な瞬間に、私は偉大な光と深くつながっていると感じました。いかなる魂も本当の意味で孤独ではないという気づきで、心があふれました。」これらの作品と向き合い、彼女がそれらを制作しながら経験したことに思いを馳せながら、私は彼女のビジョンと深く共鳴していた。
これらの作品は、森の創作活動を貫く中心テーマへと私たちを準備させる——輝きとは一体性の可視的な表現であるということ。遊び心が彼女の方法であり、直感が羅針盤であり、実験が言語である。
現代的な素材を使う理由
森がレイヤード・アクリル、二色性コーティング、UV加工顔料といった現代の素材を用いて深く古代的・霊的なアイデアを表現する理由を、私は考えた。彼女の目的はスピリチュアリティを近代化することではなく、今日の感覚で真に感じ取ることのできる形を生み出すことにある。さらに彼女は研究と実験そのものを心から楽しみ、この実験的プロセスが創造を活性化し、有益な偶発性に開かれると信じている。
光のビジョンと一体性への転換
霊的実践がどのように進化し、作品にどう影響を与えてきたかを詳しく教えてほしいと私は尋ねた。彼女は1990年代後半、《Dream Temple》のためにヨーガーチャーラ（唯識）仏教を研究していた際に、初めて深い霊的ビジョンを体験したと語った。
「ある日、形而上学的な体験をしました。私は空中に浮かぶ多くの魂に取り囲まれ、それらが非常に強い光の周りを回っていました。彼らは輝いていました。私たちと違い、これらの魂には自我がありませんでした——身体が精神に与える重力のようなものが。彼らはすべてひとつとして、全体として見なされていました。これこそが自我から解放された後の世界に違いないと気づきました。これらの形而上学的な考えに関して、それは心を開く体験でした。」（HypeArt）
これが彼女が「新しい章を開いた」瞬間だった。アートはもはや単なる自由ではなく、使命となった。以来、彼女はこれらのビジョンに人生と作品を合わせようと模索してきた。
二度目の重要な霊的体験は、2003年の野心的なプロジェクト《Wave UFO》完成後に訪れた。空虚感を覚えた彼女は直感に従って沖縄を訪れ、そこで先住民の神女（ノロ）の伝統と聖地に出会い、以前のビジョンと共鳴するものを感じた。この直感に導かれた旅は、自らの霊的な道とそれが創作をいかに導くかへの理解を深めさせ、後にファウ財団設立のインスピレーションとなった。財団は6大陸に場所特定型モニュメントを設置することを使命とし、2011年に沖縄の宮古島・七色湾に《Primal Rhythm》が建立されたことから始まった。その後、彼女は島にホーム兼スタジオを建て——それ自体がひとつの芸術作品である——さまざまな古代のモニュメントや継承される先住民の慣行を発見していった。
さらに後、ブラジルに巨大な《Ring》を設置した後、彼女は再び空虚感を覚え、再び「強い光」と出会った。そして気づいた。
「私の創造性は、その源から受け継がれている。」
こうした空虚の瞬間に、新しい形が生まれてくる、と彼女は言う。
「大きな作品を制作するたびに、同じことが起きます。かなり白紙の状態になり、再びこの強い光に出会います。その光は自分が何者かを思い出させてくれ、次の創造的ステップへと鼓舞してくれます。」
この体験は、パティ・スミスが新著『Bread of Angels』で語る体験と響き合う。彼女もまた空虚感を覚え、インスピレーションを失った時のことを語っている。「湾を眺めていたんです。湾は円形で、私は開かれた状態にあって、そして与えられました。本を始める言葉を与えられたのです。」この空虚感を柔らかさと好奇心をもって、つまり開かれた受容性をもって迎えるとき、意識の中に新たなインスピレーションが入り込む十分な空間が生まれる。
奇跡的な思考と創造のプロセス
森の創造の方法は受容性を基盤としている。
「光は私に何を作るべきか教えてくれません。聞いてみたこともありますが、光は創造的プロセスを楽しみなさいと言うのです。」
代わりに、アイデアは研究、沈思黙考、夢、そしてビジョンに駆り立てられた遊び心ある実験を通じて到来する。
彼女はコラボレーションを工学的な挑戦としてではなく、喜びに満ちた出会いとして描写する。
「何か新しいことをしているとき、わくわくします。そして必ず予期せぬことが起きます——ある種の贈り物のように。」
多くの作品は他者との協働を必要とする。「いつも正しい協力者に出会う方法を見つけてきました。それは本当に喜びに満ちた経験です。毎回うまくいくわけではありませんが、実現したときは素晴らしい。」
同様に、頻繁な旅の中でも予期せぬ出会いを歓迎する。「人と出会い、他者に導かれ、黄金の道を目撃します。特にプロジェクトにおいては。それは非常に未知で予測不可能ですが、私には信頼感があります。その信頼が私を導き、次に何が起きるかを見るのにいつもわくわくしています。新しい世界、新しい人々、新しい文化を発見することは非常に興味深く、エキサイティングです。新しい体験から多くを学びます。」
直感とは、こうした贈り物に開かれ続けることだと彼女は信じる。インスピレーションなしに創れば、作品は「空虚」に感じられる。しかし同調しているとき、作品は「より高いエネルギーとのコラボレーション」、あるいは2008年のWhite Hot Magazineとのインタビューで彼女が表現したように、奇跡となる。
「以前と似たものを作ってほしいと頼まれると、いつも望ましくない作品ができてしまいます。20代の頃にそれを学びました。だから同じ過ちを繰り返したくない。動機は純粋でなければならず、心から来るものでなければならない。純粋に商業的な作品を頻繁に作りたくない理由のひとつは、あまりにも作為的で、魂のない、空虚な作品を作ってしまうことを恐れているからです。」
これは私たちすべてへの素晴らしい教訓だ。
この奇跡的な思考様式は、彼女のプロセスだけでなく、《Miracle》（2001年）や《Peace Crystal》（2024年）などの多くの作品にも現れている。どちらもビジョンに着想を得て、どちらも観る者を一体性と普遍的な起源への瞑想へと誘う。
昨年、フォンダシオン・ヴァン・ゴッホ・アルルの「ヴァン・ゴッホと星々」展で《Miracle》に出会った。エドヴァルド・ムンク、ジョージア・オキーフ、イヴ・クラインらを含む76人以上のアーティストによる165点の作品が、ヴァン・ゴッホの《ローヌ川の星月夜》——ちなみに、ヴァン・ゴッホがこの地で描いて以来、この愛された絵画がアルルに戻った初めての機会だった——と対話する展覧会だ。
《Miracle》は、宇宙を想起させる丸いシバクロームプリントのシリーズと、部屋の中央に塩と玻璃の泡の円形の山の上に水晶を吊るしたインスタレーションで構成される。この印象的な展覧会の中で、ヴァン・ゴッホの作品において私が最も意味深いと感じるもの——周囲のあらゆるものへの奇跡の感覚、彼が知覚するものへの深い愛、つながりの感覚——をこれほど反響させた作品は他にないかもしれない。星々を見上げ、宇宙の無限の広がりを思うとき、私たちは小さく取るに足らない存在として感じることもできるし、あるいは畏敬、親和性、相互連結性を感じることもできる。
森とヴァン・ゴッホの作品はいずれも、「あなたは雫であり、大海でもある」で始まるルーミーの有名な詩を思い起こさせる。私たちが何者であるか、命とは何かは、本質的に奇跡的で美しく、畏敬に値し、すべてひとつであることを思い出させてくれる。
同様に、2024年ヴェネツィア・ビエンナーレでパラッツォ・コルナー・デッラ・カ・グランデのプライベートガーデンで見た《Peace Crystal》も、ある奇跡から生まれた。ヴェネツィアのグランドカナルから見える真珠のような涙型の構造物の中に収められた《Peace Crystal》は、二つのダイヤモンド型ピラミッドを底面で合わせたような形をしている。
photo by Christopher Pelham
一見すると単に装飾的な——大きく美しい宝石のように見える。しかし近づくと、中央に透明な球体が吊り下げられていることがわかる。球体を眺めながら、最初は外向きに向いているように見えた《Peace Crystal》のエネルギーが、実はエネルギーを内側にも引き寄せ、内部でバランスされた完璧な球体へと集束させていることに気づいた。エネルギーは内外に調和して流れている。あるいはむしろ、内と外の、内側と外側の区別が消える。水晶は瞑想の補助として機能し、その輝く美しさで注意を捉え、その後私たちの注意を球体へと集中させ、やがてそれが表し喚起する一体性の感覚を気づかせ考えさせる。
展覧会の解説文は、森が《Peace Crystal》を制作するに至った奇跡をこう描写している。
「森万里子は2015年、洞窟を探すという直感に従って南アフリカを訪れた。当時は理由がわからなかったにもかかわらず。帰国後、瞑想中に洞窟のことを思っていた。その瞬間、《Peace Crystal》のイメージが心に浮かんだ——球体を内包するために連結された上下二つの円錐。球体はフルスペクトルの色で輝き、魂を象徴する。上下の円錐は人類の直立した身体を表し、球形の魂を収めるカプセルとして機能する。……森は、この彫刻が人類の進化に不可欠だった直立姿勢を象徴していることを理解するようになった。……この作品は私たちの共通の起源を思い起こさせ、私たちが皆同じ家系の木に属していることを示し、世界中の人々を結びつけて共有する人間性への理解を深める。」
ある意味で、森のテーマはビエンナーレのテーマ「いたるところに外国人（Foreigners Everywhere）」を見事に体現している。多様で周縁化された背景を持つアーティストを照らし出すためにキュレーターのアドリアーノ・ペドロサが選んだこのテーマは、「外国人、移民、部外者が世界のどこにでも存在し、またすべての人が何らかの意味で外国人であること——『自分自身にとってさえも』」を伝えることを意図していた。つまり私たちは皆、共通するものを持っているということだ。見知らぬ土地の異邦人であるという経験によって、私たちは皆つながり、結ばれている。森の《Peace Crystal》は世界中の人々との一体感を生み出すだけでなく、歴史を超えた他者との繋がりをも確かにする。彼女はいずれ《Peace Crystal》をエチオピアのある場所に「人類の揺籠」の記念碑として永続的に設置することを意図している。
沖縄、洞窟、そして聖域
森は今、毎年一部を宮古島に面する海を見渡すユプティラハウスで過ごしている。島の先住民の霊的伝統に深く根ざした場所に彼女自身が建てた家だ。宮古島に多く見られる滑らかな珊瑚を反映して、すべて白く曲線的なユプティラハウスは、瞑想・創作・自然との交感の理想的な場を提供する。
家の下で、彼女は男女二体の自然神を祀る小さな洞窟を発見した。島に到着するたびに、また出発する前に、彼女は感謝を捧げるために訪れる。この対になったエネルギーの体験が、ショーン・ケリー展の核心にある構造のタネとなった。
「《Shrine》はあの洞窟から生まれました。男性と女性のエネルギー——その対——がアイデアとなったのです。」
だからこそ展覧会は《Love II》、もう一つの対から始まる。二性を通して表現される一体性、関係性を通して表現される輝き——それが彼女の言語だ。
母性と遊びの継続
Photo © by Christopher Pelham母性は別の驚きとして彼女の人生に加わった。最初は圧倒的で挑戦的に感じられたが、やがて新たな創造の源として姿を現した。娘の万奈（まんな）がまだお腹の中にいた頃、彼女は絵を描き始めた。「そのエネルギーは私からではなく、彼女から来ていると感じました。生まれた後は、いつも抱きしめていたかった。《Oneness》（円を作って手をつなぐ6体の宇宙人の彫刻）という作品を制作しました。観客は宇宙人を抱きしめることができ、そこから心臓の鼓動を感じます。万奈は創造のインスピレーションの源なのです。」
万奈はその後、母親の儀礼的パフォーマンスに多く登場するようになった。「とても幼い頃から始めました。まるで家業のように。」
万奈がアートに深く触れながら育ったため、森と夫は、万奈は学術的な大学に進んでさまざまなことを試すべきだと決めた。
「若いうちは、本当に好きなものを見つけるためにできるだけいろんなことを試さなければなりません。そうすれば時間を忘れられるものが見つかり、人生が喜びに満ちたものになります。好きでないことをしていると、人生はかなり長く感じられますから。」
万奈について話しているようでいて、森は自身の歩みを描写していた。その歩みを万奈も今、歩み始めている。万奈はファッション団体Midnight Runwayで活動し、自身のジュエリーデザインを始めた。
輝きの実践としてのアート
直感、遊び、内なる導きに従うことで、森は非凡な作品群を生み出しただけでなく、拡張された見方をも生み出した。彼女の彫刻と絵画は、文化を超え、時代を超え、分離という幻想を超えて私たちを結ぶ目に見えない流れに立ち止まり、同調し、動かされることを求める。
そして彼女は、この能力は彼女だけのものではないと思い出させてくれる。
「ものを創ることは人間の真の本質です。創造をやめると、もはや自分の存在の最も強い能力を使っていないことになります。それは根本的な行為です。魂と最もつながっているものはアート以外にない。」（ルイジアナ・チャンネル、2023年）
創造性が私たちのアイデンティティの中心にあるという彼女の言葉は、歴史を通じた多くの霊的テキストと響き合う。例えば、
「自己は望んだ：『私は創造しよう。』」（タイッティリーヤ・ウパニシャッド 2.6）
「魂は創造しなければならない；産み出すことなく留まることはできない。」（プロティノス、エネアデスV、論考1）
「想像力とは状態ではなく、人間の存在そのものである。」（ウィリアム・ブレイク）
「宇宙全体は想像であり、自己を知る者は自分が想像であると知る。」（イブン・アラビー、フトゥーハート・マッキーヤ II.313.5）
「あなたの機能は創造することだ。」（『奇跡のコース』T-7.I.3:3）
じっくり見つめるとき、和らぐとき、美が内なる何かを変容させるとき、私たちは創造に参加している。創造的な注意力は愛の行為だ。雑音にあふれた世界において、明晰に見ようとする単純な意志そのものが、ひとつの芸術の形だ。実のところ、それに抵抗するには本当の努力が必要だ。
森の「Radiance」が私たちに思い出させるように、私たちは光と繋がりの存在だ。彼女の作品の中に——そして互いの中に——それを目撃すること、それ自体が創造的な行為だ。輝きとは私たちの本質なのだ。それを喜んで証言しよう。
来年10月、東京の森美術館では、ニューヨークのグッゲンハイム美術館アジアン・アート・イニシアティブとの共同で、森万里子の大規模な回顧展が開催される予定だ。
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